La réalité ? " Nous finissons par haïr ce que nous craignons trop souvent. "

William Shakespeare, Antoine et Cléopâtre.

Tiens, si j'allais voir six heures de Shakespeare en néerlandais ? me suis-je dit au réveil.

Et je n'avais guère envie, pour tout vous dire. J'ai donc fait les choses de la journée, essentiellement du café et du café et du café, pour arriver en retard au spectacle et, par un effet de mon éducation rétrograde sans doute, je n'y suis pas parvenu. Ce qui m'a navré. J'ai donc dû entrer dans la salle. Enfin, dans le gymnase.

Je dois vous avouer encore que je n'étais pas en grande forme, d'une part parce que je m'étais couché à six heures et levé à dix heures du même matin, et d'autre part parce que ce Festival d'Avignon, que je trouve, au moins pour ce que j'en vois, exactement propre à désespérer n'importe quel brave type, ne m'avait rien présenté depuis l'Inferno de Castellucci qui m'ait paru mériter mes foudres ou mon éloge. A tel point qu'essayer d'écrire une chose sensée et censément intéressante pour un lecteur n'ayant pas assisté aux spectacles en question, devenait chaque jour plus difficile. Les bras m'en tombaient, donc, et lorsqu'ils me revenaient, c'était généralement en portant des bouteilles, lesquelles, consommées à dose homéopathique, peuvent éventuellement se révéler assez bonnes conseillères - mais je ne suis pas tellement versé dans l'homéopathie.

C'est donc passablement abruti par ce cocktail avignonnais d'ennui, de découragement et d'alcool que je pénétrai, maussade, à 15 h 59, ce samedi 12 juillet de l'an de grâce 2008, dans le Gymnase Gérard Philipe, pour assister sans conviction à 5 h 45 de Tragédies romaines, c'est-à-dire Coriolan, Jules César, Antoine et Cléopâtre, de William Shakespeare, mises en scène par le néerlandais Ivo van Hove, dont, ignare que je suis, je ne savais rien du tout, pléonasme.

Je crois que je vais rester vingt minutes...

C'est ce que j'ai maugréé en voyant le décor immense, flambant neuf : un grand hall de centre des congrès, tout gris, avec ses canapés formant salons, son design international érigeant la neutralité la plus austère en esthétique du pouvoir, ses écrans et caméras partout, etc. Bob Dylan en fond sonore. Au dessus du décor, d'ailleurs, sur ce qui sera tout à l'heure un grand écran, était projeté cette phrase de Bob Dylan :

God, I'm glad I'm not me.

J'aime assez Bob Dylan, et cette phrase, à bien y réfléchir, est énorme, mais on n'est pas obligé de lui faire commenter Shakespeare.

Puis le spectacle a commencé.

Des hommes politiques contemporains, femmes incluses. Costards et coupes de cheveux. La mère de Coriolan, tyran occulte. Tout cela donc dans la plus grande modernité, la plus grande « contemporanéité » même, dirais-je pour barbariser. Shakespeare en néerlandais au micro. Acteurs sur la vidéo. Mode de représentation : la République romaine dans nos formes actuelles de pouvoir et de représentation du pouvoir. United States of America. Oui, entre autres. ONU. EU. L'Occident. Breaking News. Images de guerre.

Une voix off annonce que le changement de décor va durer cinq minutes, que les spectateurs peuvent se déplacer comme bon leur semble, même pendant la représentation, aller au plateau s'installer dans les salons du décor ou bien se connecter à Internet, aller au bar qui se trouve en mezzanine et duquel le spectacle est visible, live ou retransmis, que le prochain changement de décor est dans trente minutes et que le seul lieu interdit à la circulation des spectateurs est celui qui, au centre du plateau, est séparé par deux vitres (c'est le lieu où les personnages qui ont à mourir, un à un, viendront mourir).

C'est parti. Il y aura ce genre de pauses toutes les demi-heures environ. Le rapport scène-salle éclate un peu, mais il se reconfigure partout dans l'espace, il y a toujours un endroit où accéder au spectacle, bienvenue au XXI° siècle, Mister Shakespeare.

Ça ne tiendra pas six heures.

Je suis sceptique. Je vais boire un café, je sors fumer. Mais si ça tient. Six heures. Et sans problème. Avec tout le fatras électronique, le banc de montage, les musiques, les caméras, la diffusion de tout ça partout, en « temps réel », le surtitrage en français, très lisible, très efficace, les annonces écrites (« 30 minutes jusqu'à la mort de Coriolan »), l'avant-scène aménagée en scène centrale parce que la plus grande part du public est tout de même dans la salle. Coriolan l'inflexible guerrier ne veut pas parler au peuple, on le bannit, il revient avec les Volsques qu'il avait vaincus, sa terrible mère et sa femme en pleurs le supplient d'épargner Rome, il a pitié, et sa pitié fera prétexte à son assassinat. On complote puis assassine Jules César pour se préserver de la tyrannie, les querelles de succession se déploient, Brutus ou Marc-Antoine ? La démocratie fonctionne-t-elle mieux avec ou sans le peuple ? A chaque pause, je verrai le spectacle d'un autre endroit.

Ce n'est plus du théâtre ?

Au contraire, c'en est enfin.

Car il y a l'ordre.

Et cet ordre dit que toute cette technique moderne n'est pas là pour elle-même, mais est au service du spectacle, c'est-à-dire au service du rapport entre le public et les acteurs ; lesquels acteurs sont extraordinaires de bout en bout, qui servent le public en servant le texte de tout leur corps ; et ces textes du XVI° siècle nous racontent Rome, l'empire romain, dans nos habits d'aujourd'hui, et ils nous racontent le pouvoir des hommes sur les hommes et ne le jugent pas ; et ces textes sont écrits par le plus grand génie qu'ait à ce jour connu l'humanité.

Et il y a que les acteurs jouent des hommes et les actrices des femmes, et devoir écrire une si pauvre phrase dit assez, je crois, quel point de négation des évidences est aujourd'hui atteint, au moins en France. Certaines actrices jouent des rôles initialement destinés à des hommes, mais elles ne jouent pas les hommes, et nous voyons sur le plateau des femmes politiques tout à fait formidables. Et comme le texte, évidemment, ne parle pas de cela : du rapport des femmes au pouvoir par exemple, les gémellaires imbécillités du machisme et du féminisme nous sont également épargnées, cela repose. Changements le plus souvent éclairants. Marc-Antoine néglige sa part d'Empire à se vautrer au lit de Cléopâtre, provoquant ainsi, à Rome, l'ire d'Octave César, qui est joué par une femme. Le conflit se déploie, rivalité mimétique à vue.

Actors Studio ?

Actors Studio si l'on veut.

Mais un théâtre enfin capable de prendre en charge le cinéma, et de l'incorporer. Les acteurs n'ont pas à porter et assumer la forme - à faire des choses formelles -, ils ont à jouer et ils ne s'en privent pas ; ce qui n'a d'ailleurs pas lieu au préjudice de celle-ci, puissante, sensée.

Ivo van Hove, le metteur en scène, a fait un plan de coupes cohérent dans les trois tragédies, supprimant les scènes de guerre, remplacées par une musique puissante et leur récit résumé par écrit, et supprimant les scènes où parle le peuple. Tout le spectacle se concentre sur les politiques, et leurs discours, champ dans lequel interviennent leurs amis, conseillers, et leurs familles, leurs amours. « Les mots peuvent tuer en politique. Il faut s'en méfier mais ils sont aussi le meilleur moyen de porter un message, une espérance, un projet. Brutus et Coriolan sont de ce point de vue de grands rhétoriciens. Cela étant, Coriolan dit toujours sa vérité et ne masque rien, Brutus est plus dans la stratégie et doit parfois dissimuler. Marc-Antoine, lui, parle avec son c½ur. Quand on voit les trois pièces ensemble, on a comme une encyclopédie des différentes formes de langage politique. C'est fascinant. »

« On examine en détail le fonctionnement du système à partir des hommes qui le font fonctionner, on ne les juge pas. »

Aussi étonnant que cela puisse être, c'est vrai. Le spectacle n'est aucunement à charge, aucun message, aucune idéologie ne le sous-tend : il dit notre monde, et c'est tout.

Les six heures ont passé comme une flèche.

Je suis sorti enthousiasmé, lavé de toutes les fatigues.

Et maintenant, tout est fini.

Le reste du théâtre semble fini ; et cela même en quoi l'on pouvait encore faire semblant d'espérer. L'impression est nette que le théâtre français, ses acteurs, ses metteurs en scène, ses auteur dramatiques, ses politiques culturelles, est terminé, ou tout au moins intégralement vaqué ; et que rien d'important ne semble plus devoir se faire dans cette langue-là ; que la France, en somme, surtout en matière culturelle, en dépit qu'elle en ait et quoiqu'elle gesticule dans des formes désuètes, est derrière nous.

On m'objectera, non sans raison, que les Pays-Bas et leur communauté linguistique n'ont pas une influence internationale énorme, mais là n'est pas le problème.

La représentation de la réalité ne leur est pas interdite.

Pascal ADAM

Mise en scène : Ivo van Hove
Avec : Barry Atsma, Jacob Derwig, Renée Fokker, Fred Goessens, Janni Goslinga, Marieke Heebink, Fedja van Huêt, Hans Kesting, Hugo Koolschijn, Hadewych Minis, Chris Nietvelt, Frieda Pittoors, Alwin Pulinckx, Eelco Smits, Karina Smulders musiciens Ward Deketelaere, Yves Goemaere, Hannes Nieuwlaet, Christiaan Saris, Mattijs Vanderleen
Traduction : Tom Kleijn
Dramaturgie : Bart Van den Eynde, Jan Peter Gerrits, Alexander Schreuder
Musique : Eric Sleichim
Costumes : Lies van Assche
Scénographie et lumières : Jan Versweyveld
Vidéos : Tal Yarden
Production : Toneelgroep Amsterdam / Coproduction : Toneelgroep Amsterdam, Bl!ndman (Bruxelles), La Monnaie (Bruxelles), Holland Festival (Amsterdam), Kaaitheater (Bruxelles), Muziektheater Transparant (Anvers)
Avec le soutien de l'Ambassade du Royaume des Pays-bas à Paris, du Fonds néerlandais des arts de la scène et du Theater Instituut Nederland